Kinetické umění - co to je?

Kinetické umění je jedním z mnoha trendů v moderní umělecké tvorbě. A nejen v umění, protože podstatou tohoto typu umění je "revitalizace" něčeho (sochy, malby nebo jiné kompozice). V tomto článku budeme podrobně zkoumat, jaké kinetické umění je, když vzniklo, a jmenovat nejvýznamnější představitele.

Termín

Pocházelo z řeckých kinetik, což znamená "pustit se do pohybu". Ve skutečnosti úkoly, které tento typ umění určuje pro sebe, je prokázat, že ne vše leží v rovině a zůstává nehybné, i když je to otázka například obrazu velkého malíře. Kromě tohoto pohybu je v tomto pojmu ještě jedna podmínka - trojrozměrnost.

Pohyb v kinetickém umění je obvykle rozdělen do dvou typů: zřejmý a pohyb. Zjevné je způsobeno mechanismy, větrem nebo samotnými pozorovateli. A virtuální je "klamné hnutí", které je vytvořeno světlem, uložením barev, úhlem pohledu.

Původ

Kinetické umění, jehož historie se vrátilo o něco víc než století, nepřicházelo "z prázdna". Na konci devatenáctého století, kdy tito titáni jako Claude Monet, Edgar Degas a Edouard Manet již pracují, se požadavky na umění (včetně vizuálního) začaly měnit: pohyb byl zapotřebí, "statika" už má malý vliv na obyčejné pozorovatele. Dobrým příkladem jsou Degasové obrazy: "Tanečník" a "Portrét závodiště". V nich je vidět - umělec se snažil "provokovat" tradice a zavádět pohyb do svých pláten.

Na počátku dvacátého století se stalo znamení vývoje kinetické umělecké sochy - "Kinetická stavba" (nebo "Permanentní vlna") autor Naum Gabo. Gabo sám věřil, že jeho stvoření - první ve dvacátém století, které lze připsat novému směru. V zásadě je těžké nesouhlasit s ním.

Vývoj kinetického umění

Nahoře byli jmenováni tito slavní umělci kinetiky jako Monet, Degas a Manet. Opravdu byli první, kteří zdůraznili pohyb na plátně. Od dvacátých let tohle typ tvořivosti nalezl více a více následovníků a bylo několik důvodů: minulá válka zničila mnoho starých vír a principů (včetně tvořivosti), bylo zapotřebí něco nového. Jedním z důvodů je také technický pokrok, který se ve dvacátém století na minutu nezastavil.

Kinetické umění (definované výše) v průběhu dvacátého století spojilo takové věci jako surrealismus a později různé umělecké směry. Umělci teď měli velmi málo plátna a barvy, používali všechno, co bylo možné najít, což zvětšovalo nejen vizuální efekt, ale dalo jejich tvorbě další význam. Níže analyzujeme hlavní postavy kinetického umění dvacátého a později - dvacátého prvního století.

Manet, Monet a Degas

Nejprve hovoříme o těch, kteří jsou na vrcholu seznamu umělců pracujících v zcela nových stylech a letadlech.

Edouard Manet je muž, který vždy psal na křižovatce několika žánrů a stylů. Snad jednou z prací, která opravdu otevírá "novou éru kinetického umění", je Le Ballet Espagnol (1862). Na tohle Maneův snímek Představuje okamžik, nikoliv statické akce - také ukazuje neurčitost, polomazání barev a stín, zobrazující obraz jako "hluboko dole".

Dalším dílem, které stojí za zmínku v Manetu, je Le déjeuner sur l'herbe 1863. Opět - světlo je rozmazané, jsou zobrazeny obrysy stínů a obrázek na pozadí je jako v pohybu.

Další na seznamu je Edgar Degas a jako mnozí věří, je ve svém hledání mnohem radikálnější než Mans. Mane hledá pozemky v závodech, v tancích, zobrazující napětí a odvahu.

L'Orchester de l'Opera je jednou z nejmocnějších uměleckých děl. Nejen, že plátno rozdělí do několika plánů, vytváří pohyb v pozadí a ukazuje před sebou téměř statickou kompozici. Další pozoruhodná práce od Degase nazvaná Voiture aux 1872.

Mimochodem, několik díla z polokompohů psaných v roce 1884, mezi něž vyniká Chevaux de Course, působilo nejen na tvůrčí bohémy tohoto období a na všechny milovníky malby, ale také na Monet, o kterém se bude diskutovat níže.

Degas a Monet, jako zástupci kinetického umění, byli obecně velice blízko ve stylu a způsobem psaní svých obrazů. Od poloviny sedmdesátých let Monet "sbírá" nový styl pro sebe - začíná vytvářet pohyb v malbách na úkor rychlých a někdy i ne příliš přesných úderů. Takový způsob vytvořil nejen pocit pohybu v obraze, ale také vibraci. Například: Le Bateau-Atelier su Seine nebo Lazare Gare .

Auguste Rodin

Tento umělec byl velmi ohromen třemi výše uvedenými a nejprve následoval jejich malířský styl. Jako kritik a historik umění publikoval několik článků, ve kterých podporoval Moneta a Degase, teoreticky se snaží ospravedlnit jejich experimenty. Právě v těchto teoretických dílech si Rodin napsal, že Monet a Degas vytvářejí na plátně iluzi skutečného života se svým celým hnutím.

V osmdesátých letech devatenáctého století začal Rodin znovu přehodnotit své názory na malbu a dospěl k závěru, že veřejnost stále není připravena vnímat hnutí v malbách, neboť obraz je především statickým obrazem.

A dokonce později, do konce století, sochař znovu přeceňoval své názory a Roden se opět ponáhl ke snahám přinést pohyb do umění. Ve skutečnosti začali silně kritizovat sochaře na konci jeho života. Právě to však Rodina, kterého ho známe, stalo přesvědčivým vynálezcem a v mnoha ohledech zakladatelem moderní sochařství.

Surrealisté 20. století: glazury, Pollock a Bill

Jméno Glazes bylo klíčové koncem devatenáctého století a počátkem dvacátého století. Jeho teoretické práce na kubismu, počínaje deseti, se stávají základem pro všechny, kteří se svým způsobem nebo s jiným týkají moderního umění.

Glaezes zdůraznil povinný rytmus v obraze, který měl být prokázán kvůli nejasnostem tvarů a nejasnosti barev. Hlavní důraz na jakoukoli práci, jak věřil Gleises, musí být dělán na pohybu a všechno ostatní není nic jiného než zázemí.

Velmi zajímavý ve stylu byl Pollock, který byl slavný svými metodami práce. Postříkal barvu, někdy již na dokončenou práci, aby "informoval" o pohybu barvy šmouhem barvy. Velmi často experimentoval s materiály, se kterými musel pracovat. V roce 1947 namaloval obraz "Katedrála" hliníkovou barvou a pak téměř rozprášil plátno pomocí postřiku. Pollock věřil, že tak dává svobodu umění a všem materiálům, které toto umění vytvářejí. Tak umělec chápe kinematiku, tedy pohyb, na plátně. Pollock měl významný vliv na práci druhé poloviny dvacátého století.

Dalším jménem je Max Bill, který se v roce 1930 dostal pod nejsilnější vliv nového umění a nemohl ho opustit až do konce jeho života. Bill se ukázal nejen jako umělec, ale také jako sochař, architekt a návrhář. Mezi jeho nejlepší díla patří "Konstrukce se zavěšenou kostkou", design nazvaný Ulm Front a Trojitý sloup ve Stuttgartu.

Mobilní plastiky nebo kinetické umění 20. století

Max Bill v mnoha ohledech položil základy nové myšlenky dvacátého století. Podle vědců to byl ten, kdo dělal sochu svobodu pohybu ve velkém objemu. V této části budeme hovořit o následovnících Billa: Tatlin, Rodchenko a Kodler.

Vladimír Tatlin - je tvůrcem sochy, která se stane symbolem a vizitkou celého světového konstruktivismu a avantgardy. Je to samozřejmě o "projektu památníku třetí mezinárodní".

Někteří kritici výtvarného umění nazývají Tatlin jen pokračování myšlenek Picassa. Tatlin je také velmi známý pro své spory s Malevichem, který vždy trval na tom, že forma a barva jsou základem tvořivosti. Tatlin se však držel pozice, ve které byl základ všech věcí.

Alexander Rodchenko ve vztahu k jeho dílu vyvinul následující krédo: umění je především vynálezem nových forem a možností. Je třeba ji považovat za velký experiment, kde každá práce je minimální z hlediska malebnosti a omezena expresivitou. Rodčenko byl také známý v sovětském Rusku jako jeden z největších fotografů.

Alexander Kodler je především spojen se složitými sochami drátu a složitými systémy, které jsou také řízeny různými mechanismy nebo pod vlivem větru (takzvaná "mobilizace Kodlera"). Jeho sochy nyní stojí v mnoha městech Evropy a Ameriky. Například: Stabilní "Man", který se nachází v Montrealu.

Virtuální pohyb

Od poloviny dvacátého století nové umění zcela zaujalo pozornost diváků. Úplně nové formy, nápady a vývoj technologie - to všechno umožnilo umělcům, aby se nestali stydliví při výběru prostředků, jak předávat emoce a pocity.

Po Kodlerovi, Tatlinovi a Rodčenkovi se Victor Vazareli hlásil velmi hlasitě. Ve své době (to je polovina dvacátého století) Vasarely upoutal pozornost na virtualitu svých děl. Neboj se pokusit oživit svou práci na úkor interaktivního, s využitím elektřiny. Jedním z jeho nejslavnějších děl je Gordes / Cristal.

Pojem "zřejmý pohyb" a op art

Zřejmý pohyb je jednou ze složek kinetického umění. Popis a realizace mnoha prací souvisejících s vývojem technologie se tento typ pohybu stal nejen populární, ale i všudypřítomný. A termín "op-art" je aktualizovaný pojem "virtuální pohyb" nebo "optický pohyb". K tomu využívají nejen barvy a různé materiály, ale také zrcadla, labyrinty, kyvadla a mnoho dalšího.

Mezi nejvýznamnější představitele, kteří používají a propagují op art, patří: Bridget Riley, Jacob Agamom, Ježíš Raphael Soto a mnoho dalších.

Moderní kinetické umění

V roce 2013 se v listopadu konala celosvětová výstava pod názvem "5 000 pohyblivých částí". Byly ukázány díla Arthur Ganson, Ann Lilly, Raphael Lozano-Emmer, John Douglas Powers a mnoho dalších současných umělců. Prvky počítačové grafiky, zrcadlové labyrinty, světelné a zvukové přehlídky - nyní se takové věci nacházejí všude tam, kde jde o takovou věc, jako je kinetické umění. Příběh je zajímavý a skutečnost, že před patnácti lety byla vnímána jako něco frivolního, vstoupil do našeho každodenního života. Koneckonců ti, kteří se nyní nazývají umělci, vytvářejí nejen "na výzvu srdce", ale také design, vytvářejí návrhy a design.

Závěr

Umělecké dílo už není pouze štětce, barvy a plátna. Jsou to celé skladby, ve kterých využívají elektřinu, světlo, zvuk, různé mechanismy. V tomto článku jsme demontovali, co je kinetické umění v malování, jsme sledovali vývoj tohoto směru od devatenáctého století až do současnosti.